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BEAUTY NEWS

First there were the operating tables slap in the middle of the Gucci runway, which was low and claustrophobic, with harsh hospital lights.

Then there were the heads: dead heads, duplicates of the women and men who carried them like babes in arms. For variety, hands were filled with hybrid griffins and curling snakes that have become a Gucci symbol.

And the clothes? I was so stunned at this parade of human and animal accessories that all I could take in about the fashion at first were the long, covered-up clothes, heads in the swathing scarves you see in church. “Mourning becomes you” seemed to be the message.

Gucci: ‘I am obsessed with the animal world,’ says. Alessandro Michele

Suzy Menkes (@suzymenkesvogue) on Feb 21, 2018 at 7:00am PST

Although both men’s and women’s clothes were recognisably Gucci, not to say familiar in their pile-ups of garments and accessories, there was a feeling of sadness and strangeness in the prolific outpouring of the prosaic and the inventive.

The message that stuck with me, even before Michele gave an unprecedented address to the press, was the sentence: “We can decide to become who we are.”

Identity – the subject of this millennium – was at the core of what the designer was saying in words and clothes.

I understood a lot of Michele’s discussion as a processing of words from the original Cyborg Manifesto by the American feminist scholar Donna Haraway, in 1984. The designer explained that he wanted to break down the binary, fixed categories and to challenge descriptions such as “normal/abnormal”. He also wanted to reject rigid descriptions, notably those separating “human” and “animal” – the latter a category of creatures that he loves so much.

Identity, he insisted, was “not immutable and fixed fact”, rather a social and cultural construction.

These deep thoughts formed an interesting subject, even if it might seem strange in relation to a company that exists on creating a desire for shopping. Gucci’s current booming success comes from Michele’s intense fascination with objects and accessories.

Gucci

Suzy Menkes (@suzymenkesvogue) on Feb 21, 2018 at 6:34am PST

At this Autumn/Winter 2018 show, a single model might step out with dotted jacket, soft red dress over checked trousers, a two-tone neckless hiding a brooch – and carrying a striped, coiled snake. And there was more! More! More! Flowers rambling on a head scarf and running across a dress; a classic Indian turban; an oversize sweater with elephant stitching and layers of sparkly necklaces. The latter was all for an everyday male.

Gucci

Suzy Menkes (@suzymenkesvogue) on Feb 21, 2018 at 6:39am PST

Making a list of clothes seem pointless, even if it might include balaclavas clinging to the face like a mask, or the time-honoured Gucci signature: decorative red and green stripes.

But why not be the woman/man you want to be? It is the mantra of the moment and Michele’s passionate belief in creating a personal identity seems sound, whether it is a new hybrid reality, or a choice of clothes.

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A vast pillar of figures rose from floor to ceiling in one survival tent. In another, people in ski clothes were walking, sliding, running up diagonally before my eyes – until I realised that the vaulting people were reflected in a vast mirror.

Welcome to Moncler Genius – although the magic in this case came from Remo Ruffini, the CEO of a company that started by designing ski wear and launched the down-filled puffer jacket which has taken over the world of winter warmth.

Now, after a decade of glory, aided by designers Giambattista Valli and Thom Browne, Moncler is trying another piste.

“Creativity is our energy, it drives us forward,” was Ruffiini’s credo, as the eight survival tents opened up with their entirely different visions.

The conceptual architecture of British menswear designer Craig Green competed for attention with the soft sculptures of Valentino designer Pierpaolo Piccioli.

“I accepted this project because it talks about freedom and the values of creativity and talent, the designer said. “And then I wanted to get the idea of purity as close to the identity, getting the essence of the Moncler DNA – the brand plus my own identity.”

Up and down! Craig Green shows his imaginative use of down filled material for Moncler Genius

Suzy Menkes (@suzymenkesvogue) on Feb 21, 2018 at 12:51am PST

He continued: “I thought it was good to do something out of time out of space, so like the paintings of Renaissance but in a very technical way, with nylon, with the most ordinary materials, not fantastic fabrics or with embroideries – just with shapes and colour. That’s what I wanted to do.”

The Moncler Concept is to have a perpetual feed of creative energy from the different designers whose ideas – and the clothes that are produced from the results – will go on sale in the company’s stores and in a few pop-up shops.

The concept is therefore about refreshment and imagination from the outside. Simone Rocha, for example, took the dreamy historical attitude into puffer clothes worn with accessories, with the models walking along a mountain path; while Kei Ninomiya, from the Japanese Noir brand, created tiny clusters of flowers.

So every type and taste could find something to their liking. Add in dogs, who performed a little twirl, wrapped, of course, in Moncler jackets.

So even dogs get their wardrobe from Moncler Genius!!! Only in italy …

Suzy Menkes (@suzymenkesvogue) on Feb 21, 2018 at 1:17am PST

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In occasione della Milano Fashion Week, Chiara Ferragni dedica le vetrine del suo negozio meneghino – via Capelli, 5 – alla nuova capsule collection della Primavera Estate 2018.

Un manichino su una tavola da surf glitterata cavalca le onde yellow con indosso un costume intero in tinta. La collezione vede come protagonista i simboli della nota influencer italiana, l’occhio azzurro e l’occhiolino, riprodotti in modo fedele su t-shirt, beachwear e sneakers. La palette cromatica ha tutte le sfumature neon del verde, del giallo e del rosa. Tra brio e spensieratezza, impossibile non sognare la spiaggia di Long Beach…

Nella gallery la capsule collection di Chiara Ferragni completa:

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Leggi anche: I flagship store inaugurati nel mese di febbraio

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Testo di Jessica Bumpus

Jeremy Scott sembra essere nato per due cose: i social media e Moschino. La nomina a direttore creativo di Moschino nel 2013 è stato un vero colpo grosso per la carriera dello stilista Americano, la cui creatività ha sempre propeso verso tutto ciò che è divertente, positivo e intriso di cultura popolare. Scott – un laureato del Pratt Institute che ha assunto il ruolo attuale dopo quasi vent’anni di esperienza a capo del suo marchio – è rimasto al suo posto tra il rapido via vai di direttori creativi degli ultimi anni che ha coinvolto tutti, da Raf Simons a Dior, a Hedi Slimane a Saint Laurent.

“Mi sto divertendo un mondo,” dice lo stilista originario di Kansas City, descrivendo la sua nomina al ruolo “calzante come un guanto”. Siamo al telefono, lui dallo studio milanese di Moschino, dove sta dando il tocco finale alla collezione Autunno/Inverno 2018. Scott, la cui estetica è incredibilmente in sintonia con l’irriverenza e l’ironia che hanno distinto il brand dagli altri marchi negli anni ’80, incarna alla perfezione ciò che Moschino rappresentava sotto il suo fondatore Franco Moschino. “Non ho mai immaginato questo ruolo finché non me l’hanno offerto, ma poi ho realizzato… Non esiste un’altra persona che potrebbe fare quello che faccio io, o farlo meglio,” dice. “Nutro grande rispetto per Franco e per il suo lascito. Volevo realizzare qualcosa che lo onorasse e che riportasse il brand alla gloria passata.”

Franco decorava vestiti con orsetti di peluche e tailleur con pezzi d’argenteria, e Scott ha continuato sulla sua scia con trompe l’oeil e surrealismo. Ha preso come muse McDonald’s, My Little Pony, Barbie and Sponge Bob Square Pants, e ha modellato in eleganti abiti da sera pacchetti di snack e caramelle, come anche oggetti domestici. Vede il mondo in chiave iconografica e le sue creazioni, colmi di giochi di parole “visivi”, includono senso dell’umorismo e sensualità. Bizzarri e divertenti, allo stesso tempo stimolano la riflessione sulla società di oggi.

Mentre alcuni stilisti ed esperti di settore si lamentano dell’effetto che Instagram ha avuto sulla moda – sostenendo che avvantaggi capi fotogenici e bidimensionali a scapito di creazioni con una vena artistica più sfumata – Scott ha un’affinità innata con il social media. “Penso di essere nato per i social, e non nel senso che sono uno da selfie,” dice. “Al giorno d’oggi, Instagram è il maggiore dei social e tutto gira intorno a fotografie che sono più piccole del palmo di una mano. Un look total black non colpisce. Bisogna essere audaci e colorati, e le mie creazioni lo erano già e lo sono sempre state,” riflette. “È come se il mondo si fosse finalmente messo al passo con me.”

Lo rivedremo in azione mercoledì sera, quando rivelerà la nuova collezione per Moschino. Lo stilista ha riflettuto su teorie complottiste – un tema attualissimo per un designer che vive nell’America di Trump. “Ho pensato alle teorie complottiste che sono in giro da molto tempo, quelle che riguardano John F. Kennedy e Marilyn Monroe,” dice, aggiungendo che ci saranno riferimenti a Jacqueline Kennedy e alieni. C’è punto di partenza migliore per una collezione? È un classico di Scott: adeguatamente bizzarro e completamente coinvolgente.

“Il mio lavoro è incentrato prima di tutto sulla comunicazione. Più facilmente comprensibile sono le collezioni, più internazionale è il brand,” spiega. “Non c’è bisogno di conoscere un oscuro pittore degli anni ‘20 per capire la mia collezione. È più sulla linea di: Ah, capito!

Il problema è, non tutti capiscono – come i critici. Scott è stato criticato duramente per la sua visione pop-kitsch. “Molte delle cose che ho fatto, hanno fatto storcere il naso ad alcune persone che non le hanno prese con la giusta considerazione, ma va bene, fa parte della croce che porto,” dice. “Non creo vestiti per i critici o per accontentare un’elite che diminuisce di giorno in giorno; è per le persone che lo faccio, creo vestiti che le persone vere indossano.

Ed è qui l’ironia più grande: mentre alcuni critici ritengono i suoi capi non sofisticati, assurdi, o addirittura non portabili, per quanto riguarda l’ultimo punto sono tutto il contrario, indossati da tutti – da Björk, Rihanna, Katy Perry e Kylie Minogue alle legioni di fan che si schierano fuori dalle sfilate ogni stagione, sperando di intravederne un assaggio.

Scott può essere modesto per quanto riguarda il suo contributo alla moda, ma dal punto di vista commerciale si è rivelato un vero e proprio pioniere. Ha costruito la sua carriera unendo moda high e low (dimostrandosi l’uomo ideale per Moschino) e ha incluso lo streetwear molto prima dei suoi contemporanei. (Con il suo brand collabora con Adidas da più di dieci anni.) Per non parlare del fenomeno “see-now-buy-now” che ha preso piede due anni fa, quando Burberry e Ralph Lauren l’hanno adottato. Scott stava già testando il suddetto modello nel 2014, quando rese la sua collezione d’esordio per Moschino acquistabile immediatamente dopo lo show nei punti vendita del marchio e nei più grandi magazzini, come l’Americano Nordstrom. La maggior parte della collezione fece il tutto esaurito il giorno successivo.

Scott si è addirittura dimostrato un trendsetter nel settore immobiliare. “Perfino il mio amico Hedi [Slimane] dice: ‘Sei tu il vero pioniere, sei arrivato a LA per primo – io e Tom [Ford] ti abbiamo seguito!” dice ridendo. Negli ultimi anni, la città degli angeli è diventata una nuova favorita tra le capitali della moda. “Mi ricordo quando Tom mi ha chiesto, ‘Come farai? Come farai a lavorare da laggiù? Anche a me piacerebbe farlo!’ E guarda un po’ chi lo fa adesso!” Ovunque vada Scott, tutti gli altri seguono – anche se non sempre lo ammettono.

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Focus on: accessori e dettagli. Con tanto di scarpe, borse, gioielli, occhiali da sole, cappelli. Nella gallery troverete i fashion items di tendenza visti durante le sfilate della Milano Fashion Week Autunno Inverno 2018-19.

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Modelle, modelli, capi, accessori e anche piccoli draghi. La sfilata di Alessandro Michele per Gucci trae ispirazione dalla teoria Cyborg di Donna Haraway, testo del 1984 che è stato anche il canovaccio per film come Blade Runner o Matrix. Tutto torna quando in passerella sfila una maglia con la scritta “Paramount”. E solo se si capisce il contesto – il set è una sala operatoria alquanto asettica, nei toni iconici della label Gucci – allora si può intuire il significato di ogni accessori indossato, apparentemente decontestualizzato ma messo in stretto rapporto con il corpo. “La nuova dimensione della corporeità si configura verso l’innovazione tecnologica (ingegneria genetica, biotecnologie, robotica), in una sorta di simbiosi e di compenetrazione tra corpo e macchina (A. Caronia, 1996)”. Il corpo diventa il soggetto esplorativo nella sua molteplicità e Alessandro Michele lo indaga attraverso la creatività, la moda, la comunicazione del sé.

Leggi anche: Milano Fashion Week: front row Il Diario della Milano Fashion Week

 

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Con un post Instagram dai toni inequivocabili, Jennifer Lawrence ha messo a tacere i commenti – che ha giudicato “sessisiti e anti-femministi” – di chi l’ha criticata per l’abito, “troppo sexy”, indossato alla premiere di The Red Sparrow, a Londra. Molto scollato e con uno spacco profondissimo, il vestito ha suscitato commenti che l’attrice non ha gradito. “Jennifer semi-nuda nonostante il freddo”, questo il tono di titoli e post su giornali e social media, a cui lei ha replicato: “Sono estremamente offesa. Il vestito di Versace era favoloso: perché avrei dovuto coprire quella meraviglia con un cappotto e una sciarpa? Sarei rimasta in piedi anche sotto la neve con quell’abito, perché amo la moda”.

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Lawrence ha poi ribadito di essere infastidita da chi, parlando del suo outfit, ha creato una falsa notizia, con l’unico scopo di distrarre le persone dai veri problemi. Insomma, per chi non l’avesse capito: “scelgo personalmente tutto quello che indosso. E se decido di avere freddo, è pur sempre una MIA scelta”.

 

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La Milan Fashion Week è appena iniziata: nella capitale italiana della moda sono iniziate le sfilate e, naturalmente, l’intero fashion system ha già invaso la città. A inaugurare la settimana la sfilata-evento di Moncler Genius, che ha radunato un parterre di star presso il Palazzo delle Scintille. Tra i tanti ospiti accorsi ad assistere al lancio del nuovo progetto di Remo Ruffini anche Naomi Campbell e Millie Bobby Brown.

All’attesissima sfilata di Alessandro Michele per Gucci, invece, nel parterre sedevano anche Nick e Susie Cave con il figlio Earl – per chi non lo sapesse è lui il protagonista del The End of the F***ing World -, Chloe Sevigny, Alex Lawther, Lou Doillon e Maurizio Cattelan.

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photographed by Getty Images

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Per Gucci Autunno-Inverno 2018-19, Alessandro Michele ha voluto inserire la passerella all’interno di un set concepito come una sala operatoria. Il riferimento – forse un po’ azzardato – è al lavoro del designer: tagliare, ricongiungere, ricostruire vari materiali e tessuti donandogli una nuova identità. E al tema dell’identità si è guardato attraverso riferimenti alla Teoria Cyborg della filosofa e docente statunitense Donna Haraway, una branca del pensiero femminista che studia il rapporto tra scienza e identità di genere.

Modelli e modelle hanno sfilato accessoriati di teste mozzate alter ego e piccoli draghi (ispirati a un racconto inglese intitolato Legend of the baby dragon in the jar) creati da Makinarium, la factory italiana che ha curato gli effetti speciali de Il Racconto dei Racconti di Matteo Garrone e di altre importanti produzioni.

“Cinematografico”, ovviamente, anche il beauty look perlopiù “no make-up” – se non fosse per alcuni decisi tratti di eyeliner – ma ricchissimo di accessori: passamontagna ricamati, turbanti, headpiece di cristalli, veli intessuti di gioielli.

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Testo di Adriano Alimonti

Uno dei più grandi fotografi del 900, sopravvissuto a due guerre mondiali, alla fuga e alle deportazioni nei campi di sterminio. Erwin Blumenfeld è a Roma con il suo celebre scatto 100 Covers, una delle opere esposte nell’Howtan Space, che mette insieme una dopo l’altra tutte le copertine di Vogue che portano la sua firma.

Questo lavoro più di tutti, lega indissolubilmente il nome di Erwin Blumenfeld a quello di Vogue. Fu il fotografo inglese Cecil Beaton a interessarsi a questo giovane modernista, ad avvicinarlo e a metterlo in contatto con Vogue Francia dando l’avvio a una collaborazione che durerà una vita. Un connubio artistico catturato ed espresso da questo scatto realizzato nel marzo del 1939. Sul retro Erwin lascia scritto: “Thank you very much for smoke and mirrors. I barely feel a breeze of all the effort (or hassle). Just wait, soon we’ll rest (or die) as well.

Vogliamo celebrare questa personale fatta di lavori inediti, alcuni mai arrivati prima d’ora in Italia, fotografie iconiche diventate fonte d’ispirazione per molti artisti, esposte in questo nuovo spazio romano (Howtan Space – Via dell’Arco dei Ginnasi 5 -Roma).

Una contaminazione tra moda e surrealismo: la mostra presenta 10 Vintage in B/n scattate tra il 1938 e il 1955 a Parigi e a New York, ottenute dalla manipolazione di acidi. Oltre agli scatti vengono proiettate anche le immagini di “Beauty in motion” la serie di corti girati dallo stesso fotografo tra il 1958 e il 1964.

C’è molto da dire sulla nuova apertura dell’Howtan Space, punto di arrivo del precedente progetto artistico, a due passi da Piazza Farnese, di Howtan Re. Un tributo che forse nasce dal voler restituire, ciò che si è ricevuto dalla bellezza di Roma. L’architetto, nato a Theran nel 1974, arriva in Italia con i suoi due fratelli a seguito della caduta dello Shah.

Dal 1986 vive tra l’Italia e gli Stati Uniti. Posizionare proprio a Roma un progetto come questo, lo rende ancora più ambizioso: un artista iraniano che non si rassegna alla decadenza della città in cui vive e con il distacco proprio di chi ha vissuto altrove e ovunque riesce a coglierne criticità e al tempo stesso potenzialità inespresse.  Come dice Howtan.

“Un progetto che ha trovato forza e vita grazie anche ad Andrea Saran, che condivide con me la necessità di sostenere questa straordinaria città che troppo spesso non viene trattata con il rispetto che merita. Volere aprire a Roma rappresenta una scelta lucida ma allo stesso tempo rischiosa. Un contributo per creare un salotto d’artista dinamico, in cui l’esposizione delle opere non è mai punto di arrivo ma di partenza. L’arte come forma di condivisione, scambio e dialogo.” Per questo è anche un lounge bar, per accogliere e discutere, una nuova tappa immancabile per artisti e creativi di passaggio nella città eterna.

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I Wild Belle sono due fratelli che si chiamano Natalie ed Elliot Bergman e sono in uscita con il loro terzo Album. In questa video intervista Natalie ci racconta in anteprima quest’ultimo loro lavoro in studio. Un mix di sounds diversi  dal dancehall al rock,  fino ad una contaminazione di ritmo reggae frutto di una loro  recente viaggio in Jamaica. Con voce incisiva, leggermente roca, Natalie sfida generi diversi proponendo un sound personalizzato, quel sound proprio  dell’universo dei Wild Belle.

Project by Marilena Borgna

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La sostenibilità è da anni uno degli argomenti più gettonati nella moda, ma fino a poco tempo fa erano davvero poche le risorse per i brand e gli stilisti che volevano acquisire maggiori conoscenze di questioni ambientali. Quattro anni fa Kering e il London College of Fashion, il prestigioso college membro della University of the Arts London, hanno unito le forze per dar vita a una serie di corsi che offrivano esattamente questo. E oggi la loro partnership esce fuori dalle aule per lanciare il primo corso digitale ad accesso aperto.

Il corso online, della durata di 18 ore e il cui lancio è previsto per il 9 aprile, si intitola “Fashion & Sustainability: Understanding Luxury Fashion in a Changing World”, e darà accesso gratuito e flessibile ai professionisti sia di Kering che del LCF per sei settimane. “Non potevamo essere ovunque nello stesso momento,” ha detto Marie-Claire Daveu, chief sustainability officer e head of international institutional affairs di Kering, a Vogue a proposito della richiesta di interventi, dibattiti e corsi di formazione sull’argomento. Per questo motivo ha pensato di rendere il materiale relativo ai loro corsi presso il LCF largamente disponibile tramite un Massive Open Online Course (MOOC), ovvero un corso aperto su larga scala.

La nuova piattaforma è stata presentata da François-Henri Pinault, presidente e CEO di Kering, nel corso di un evento durante la London Fashion Week, evidenziando le possibilità che sostenibilità e innovazione possono offrire, non solo al pianeta, ma anche alle aziende e ai consumatori.

“Crediamo che per cambiare il business model del settore moda in modo tale da includervi un approccio sostenibile, è necessario sapere come si fa,” ha detto Daveu. “Tramite il MOOC forniamo linee guida, e come gestirle, su qualunque argomento: dalle quantità e reperibilità dei materiali per la moda deluxe a come misurare la propria impronta ecologica. E ogni volta che parliamo di un dato argomento – ad esempio i cambiamenti climatici, la biodiversità, la scarsità di risorse – offriamo strumenti e soluzioni concrete per determinare cosa deve fare un giovane designer. È un approccio teorico, ma anche operativo.”

Il corso, per cui sono già aperte le iscrizioni, è suddiviso in sei moduli presentati tramite video, podcast, attività e dibattiti di cui i partecipanti possono fruire quando lo desiderano. Sono in programma le traduzioni, come quella in cinese, oltre a una versione concisa per tutti i nuovi assunti del gruppo Kering.

“Il corso non è certo rivoluzionario, e non sto certo dicendo che una volta fatto tutto funzionerà perfettamente,” spiega Daveu, “Ma sono convinta che possa contribuire a cambiare concretamente il modo in cui lavorano la fashion industry e gli stilisti. Una sola iniziativa non farà la rivoluzione ma, passo dopo passo, pietra dopo pietra, possiamo davvero cambiare le cose.”

Text by Sam Rogers

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“Sacrificio, gioco duro, competizione. Il gioco del polo è anche questo. I giocatori sono avversari sul campo ma una grande famiglia subito dopo il match”. Partendo da questo concept La Martina ha realizzato la sua nuova imperdibile collezione d’ispirazione urban-street: Fair Play. Dietro la creatività del progetto ci sono ben tre nomi: Danilo Paura, Jacopo Pozzati e Leonardo Colacicco. Insieme, i tre designer hanno dato vita a una combinazione perfetta tra l’heritage La Martina e la nuova visione dall’animo Streetwear.
 
“In una stagione che rimescola le tradizionali gerarchie tra fashion e streetwear e le distinzioni di ruolo”, spiega Enrico Roselli, Ceo La Martina, “abbiamo tradotto il lifestyle del brand in una capsule iconica, portandolo verso una compiuta maturità stilistica, senza però perdere la capacità di stupire che da sempre è il nostro marchio di fabbrica”.
 
Tra i capi della collezione – composta da 18 capi ‘no season’, alcuni dei quali genderless – ci sono tees, hoodies e tracksuits in felpa, maglioni, pantaloni con bande colorate e grafica Fair Play o decorati con i patch storici del brand. L’iconica polo è realizzata in jersey pesante in toni brillanti e multicolor.
 
E un progetto tanto importante non poteva che essere celebrato al massimo. La Martina presenterà Fair Play il 23 febbraio, durante la Milano Fashion Week, con un party esclusivo. Un grande evento che si terrà al Teatro Manzoni e che vedrà anche la performance del celebre cantante R&B Ne-Yo.
 
Siete pronti a prendervi parte e a entrare nel nuovo mood Street firmato La Martina?

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Coloratissima e ispirata a un viaggio ai tropici. È la capsule collection SS 2018 firmata da Peech by Amedeo Piccione per Cromia, presentata il 20 febbraio, durante la fashion week milanese, in un’atmosfera calda dai toni esotici, sulle note live di Syria. Una collezione che reinterpreta in chiave contemporanea lo stile che ha reso celebre la Samba di Carmen Miranda e l’allure anticonformista delle donne di Bahia con fiori, frutti tropicali e animali dal piumaggio esotico. Nove pezzi in pelle d’alta qualità, tra mini bag, pochette e piccola pelletteria per finire con dei preziosi bangles realizzati in morbido vitello opaco, con colori a contrasto, finiture super curate e dettagli decor in smalto che richiamano appunto i motivi tropical.

“Mi piace definirli rebus a libera interpretazione”, ci racconta Amedeo, giovane designer – ha 27 anni – che ha lasciato la Sicilia per intraprendere una carriera nel mondo della grafica e del fashion. “È stato entusiasmante collaborare con un’azienda che punta alla qualità, alla cura finissima dei dettagli: una bellissima esperienza che mi ha consentito di proiettare Peech in una dimensione non più solo di bijoux e abbigliamento, ma anche dell’accessorio. Il risultato è stato sorprendente”. Intanto con orgoglio Piccione ci mostra nel dettaglio tutti i prodotti e ci fa notare anche la fodera interna delle borse, sempre super colorata, dove è stampato un francobollo che ricorda l’idea del cartolina, del viaggio…

“Tropicalia è stato un progetto coinvolgente, un’esplosione di energia”, ha detto Sergio Sciamanna amministratore unico di Laipe, l’azienda titolare del brand.  “Lavorare a questa linea è stato divertente e piacevole quanto il risultato che abbiamo ottenuto e di cui siamo particolarmente soddisfatti. Amedeo è un vulcano di idee ma allo stesso tempo riesce a tradurre tutto rapidamente in realtà, e collaborare con lui è stato davvero interessante, un artista giovane, determinato e pronto a condividere tutte le sue idee con i nostri reparti aziendali”

 

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Quale miglior occasione della Settimana della Moda per inaugurare una nuova sede? Istituto Marangoni ha scelto l’edizione di Febbraio 2018 di Milano Moda Donna per aprire ufficialmente le porte dei nuovi spazi di Piazza San Babila, 3 dedicati ai corsi Master e One Year Intensive. Si chiama The Talent Week l’evento che, da ieri 20 febbraio al 24, svela la filosofia di Istituto Marangoni e i successi dei suoi talenti.

Il primo appuntamento si è svolto ieri, 20 febbraio: il talk di Sara Sozzani Maino, Deputy Editor in Chief Vogue Italia e Head of Vogue Talents, insieme a Barbara Toscano, School Director di Istituto Marangoni • The Milano School of Fashion, in cui è stato presentato “New Challenges”, un progetto di Istituto Marangoni in collaborazione con Vogue Italia e Vogue Talents.

Di fronte a una platea gremita di studenti delle scuole superiodi italiane, Sara Sozzani Maino e Barbara Toscano, affiancate da Anna Zinola, docente dell’Istituto e giornalista, hanno sottolineato l’importanza della formazione come primo passo per una carriera di successo nella moda e hanno suggerito ai giovani studenti di mettersi alla prova, grazie al progetto New Challenges, nei settori in cui vorrebbero lavorare: agli aspiranti fashion designer di preparare una idea di collezione, a chi vorrebbe lavorare nel business della moda di ipotizzare l’apertura di un’attività, ai fashion stylist un reportage sui nuovi trend, a chi sogna il mondo dell’arte un moodboard di immagini di arte relative ad una determinata epoca, ricollegabili alla moda contemporanea. Sono infatti 50 le borse di studio, valide per uno dei corsi triennali offerti da Istituto Marangoni per l’anno accademico 2018/19, che si contenderanno tutti coloro che invieranno la loro candidatura entro il 2 maggio 2018. (Qui tutte le info per come partecipare)

Il talk è stato anche occasione per Giulia Pirovano, Group Market Director di Istituto Marangoni, per presentare I’M Alumni Revolution, il progetto di mentoring rivolto agli ex-studenti che prevede l’affiancamento dei designer, da parte della scuola, nella produzione della collezione e loro presentazione all’evento sfilata, giunto alla sua seconda edizione.

The Talent Week continua oggi 21 febbraio con il Talent Talk con Angelo Ruggeri, alumnus di Istituto Marangoni e giornalista di moda che parlerà di Fashion Editing 2.0 alle ore 16, mentre il 23 febbraio alle 10.30 sarà Gilda Ambrosio, alumna di Istituto Marangoni, influencer e Co-founder di Attico, a salire in cattedra con il talent talk dal titolo “Creatività 360°. Designer, influencer, trend-setter: le anime di un creativo contemporaneo”.

Nella stessa giornata, 23 febbraio dalle ore 10:00 alle ore 19:00, Moreschi presenterà in anteprima presso lo Showroom Moreschi il progetto “Genderless Wardrobe”, realizzato in collaborazione con Istituto Marangoni, nel quale verranno presentate le capsule collection firmate da tre brillanti studentesse: Ishita Bajaj, Carlota Costa, Shree Varshini del Master in Luxury Accessories Design & Management. Le loro creazioni, rispettivamente The Explorers Diary, The Route e Dapper Hike saranno inserite tra le novità della Collezione Autunno Inverno 2018/19 di Moreschi.

Infine, The Talent Week troverà il suo compimento il 24 febbraio dalle ore 10:00 alle ore 17:00, quando la School of Fashion di via Verri, 4 aprirà le porte al pubblico in occasione di un Open Day nel corso del quale si potranno scoprire gli spazi unici dedicati alle aree moda, dalle aule ai laboratori, approfondendo l’offerta formativa, le tematiche e competenze che distinguono i diversi settori del fashion. In questa occasione sarà possibile, poi, vedere gli outfit e le creazioni degli studenti più talentuosi e partecipare ai workshop dedicati al Fashion Styling, Fashion Business e Fashion Design. Ci saranno anche, alle 13.00 e alle 16.30, delle visite guidate alla nuova area di Istituto Marangoni in Piazza San Babila 3.

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Più che una passerella, quella Autunno Inverno 2018-19 di Gucci era un vero e proprio set cinematografico.  Il direttore creativo del brand, Alessandro Michele, infatti, ha stupito la platea facendo sfilare dei cyborg. Sullo sfondo un’asettica sala operatoria.

A trasformare modelli e modelle in creature ‘post human’ con tre occhi, due teste e cuccioli… di drago (ispirato a ‘Legend of the baby dragon in the jar‘), ci ha pensato Makinarium, factory creativa famosa per aver curato, tra gli altri, anche gli effetti speciali del Racconto dei racconti di Matteo Garrone (2015).

In questo modo è stato portato letteralmente in vita il pensiero alla base della nuova collezione di Gucci. Pare infatti si ispiri alla Teoria cyborg di Donna Haraway, in cui il cyborg è metaforicamente considerato una figura che supera il dualismo di identità, mettendo insieme natura e cultura, maschile e femminile, normale e alieno, psiche e materia.

Guardate la gallery dedicata ai cyborg di Gucci.

 

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Per la Primavera Estate 2018, Giorgio Armani propone un’esclusiva selezione di accessori di pelle (incluse scarpe e borse) in vivaci tonalità: geranio, rosa intenso, lampone, erba, conchiglia, oltre i classici blu navy e nero.

Il set in vitello liscio è composto da scarpe, borse e portafogli. Lo stile è essenziale; le forme, pulite e lineari, vagamente maschili, sono addolcite e rese femminili dai dettagli in oro. I mocassini classici in versione minimal hanno il logo in oro satinato sul passante. Le borse – piccole tracolle o pochette – sono geometriche con chiusura centrale in oro e plexi nero.

Gli accessori della collezione Acquarello saranno in vendita in anteprima nelle boutique Giorgio Armani di Milano e Parigi durante le Fashion Week di febbraio, e da aprile, nei principali punti vendita Giorgio Armani e su armani.com.

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The Womanhood Project è il sito creato da Cassandra Cacheiro (fotografa) e Sara Hini (art director) dove potete trovare ritratti intimi e interviste a donne di ogni età che raccontano apertamente delle proprie realtà e parlano di temi complessi e non sufficientemente dibattuti come, ad esempio, questioni di genere, aborto, maternità, malattia mentale, accettazione del proprio corpo, ciclo mestruale, abusi. Ogni donna condivide la propria esperienza personale in modo confidenziale e non ci sono risposte o consigli da seguire, lo scopo principale è la creazione di uno spazio di libera espressione sulla femminilità. Leggere le interviste mi ha fatto venire in mente Tiny Furniture, il film di Lena Dunham dove la protagonista, Aura, sta cercando di capire che cosa fare della propria vita in un momento di forte transizione e vulnerabilità: non sa esattamente come procedere ma sta imparando qualcosa di importante su di sé lungo il percorso e gli spettatori sono portati a empatizzare con lei facilmente per il bisogno che abbiamo di ascoltare e vedere rappresentate storie realistiche e oneste sulle nostre vite.

Se volete scoprire di più su The Womanhood Project leggete il Q&A con le fondatrici.

• Come definireste The Womanhood Project a partire dalle parole che ne compongono il nome?

CC: Dal momento che siamo di Montreal, inizialmente avevamo pensato di utilizzare un nome francese per il progetto ma poi abbiamo realizzato in fretta che la parola a cui stavamo pensando – womanhood – non esiste in francese. Descrive perfettamente l’essenza del progetto: lo stato o la condizione dell’essere donna e le donne considerate nella loro collettività.

• Qual è stata la forza trainante che ha dato vita al progetto?

CC: Mi occupavo già di fotografare donne prima dell’inizio del progetto ma la mia fotografia non era mai guidata da un intento. Prima di incontrare Sara, stavo iniziando ad annoiarmi in quanto non c’era alcun significato nelle immagini che scattavo. Ma dopo esserci incontrate e aver dato vita a questo progetto, abbiamo dato un significato e un intento alle fotografie. Una delle principali forze trainanti è senza dubbio tutto il potere racchiuso nelle parole condivise dalle partecipanti; noi facciamo da tramite per rivolgere le loro parole al resto del mondo.

SH: Non desideriamo fare chissà quale grande dichiarazione anche se potrebbe sembrare così per via delle didascalie forti che pubblichiamo accanto alle foto. Ma lo scopo di questo progetto consiste nell’esaminare in maniera libera ed ampliare le proprie conoscenze in fatto di diversità di percezioni ed esperienze su un tema complesso ed in costante cambiamento qual è quello dell’essere donna. Questa è una delle forze che ha ispirato e che guida il progetto. Ogni donna è unica e individuale e siamo state fortunate a vederle aprirsi a noi in maniera così intima e profonda. Dà un’energia del tutto particolare all’intero progetto.

• Stiamo assistendo ad un momento cruciale nella storia dell’umanità. Un momento in cui le voci delle donne sono ascoltate. Sto pensando alle marce delle donne e ai movimenti “Me Too” e “Time’s Up”. Come conseguenza (o forse causa?) a questi eventi, si nota un incremento esponenziale di progetti, specialmente nel campo dell’arte, incentrati sul tema del femminismo.

Cosa differenzia The Womanhood Project dalle altre piattaforme online dedicate alle donne?

SH: Niente e tutto allo stesso tempo. È un’altra piattaforma dedicata alle donne e ne servono di più a mio parere. Ogni voce e ogni storia raccontata su The Womanhood Project è profondamente unica e complessa. Non pretendiamo di avere una risposta. E probabilmente non vogliamo una riposta. All’inizio questo progetto era per noi uno strumento per apprendere ed investigare le complessità dell’essere donna al giorno d’oggi nella nostra società. Ma è diventato anche un modo per le donne che ne fanno parte di mettere in discussione se stesse, condividere le loro storie e in qualche modo essere di ispirazione per le altre.

CC: Non abbiamo di certo scoperto l’acqua calda ma pensiamo che non esistano mai piattaforme a sufficienza in cui le donne possano essere ascoltate e possano esprimere se stesse. Noi supportiamo e apprezziamo molte piattaforme simili alla nostra e crediamo che la condivisione, come anche la collaborazione, possano contribuire a migliorare la condizione sociale delle donne.

• Ritenete che stiamo correndo il rischio di trasformare il femminismo in una tendenza di marketing?

CC: Non c’è dubbio che alcuni marchi utilizzino il femminismo come tendenza di marketing e in questi casi la strategia è facile da individuarsi. Non è di certo il miglior modo per informare la gente in materia di femminismo ma se quella campagna pubblicitaria è in grado di sollevare quesiti e fare discutere, allora è sempre meglio di nulla. Essere consapevoli e coltivare una propria opinione personale sulla questione rimane una cosa positiva e auspicabile.

• Ognuna delle protagoniste delle vostre interviste è ritratta all’interno del proprio ambiente, nel modo più personale e naturale possibile.

Ma come mai tutte le donne sono nude anche quando le storie e le esperienze che condividono non sono direttamente legate al corpo?

Che possibilità di espressione hanno le donne al di fuori dello spazio dell’intimità?

SH: Dal momento che le donne sono da sempre state oggettificate dallo sguardo maschile, utilizzare i loro corpi nel loro stato più semplice può essere un modo per riconquistare il nostro potere in quel contesto. Volevamo che le donne che partecipavano potessero aprirsi completamente e, da un punto di vista artistico, aveva senso ritrarre il corpo nudo. Siamo francofone con base a Montreal e nella lingua francese esiste la seguente espressione “se mettre à nu”, che tradotta significa spogliarsi ma metaforicamente parlando esprime anche la condizione del trovarsi in uno stato di vulnerabilità e dell’aprirsi totalmente. Tutte le donne che hanno partecipato al progetto hanno fatto proprio questo – mettersi a nudo, sia letteralmente che metaforicamente.

CC: La maggior parte delle donne che ha fatto parte del progetto ha condiviso situazioni legate al proprio corpo o al loro stato mentale, dopotutto mente e corpo sono collegati. Ci siamo inoltre sempre assicurate che le partecipanti si sentissero a proprio agio e fossero sempre in grado di stabilire loro i limiti fotografici oltre i quali non desideravano spingersi. Alcune di loro hanno deciso di essere fotografate nude, alcune in biancheria intima e alcune altre ancora più coperte. In ultima analisi, erano sempre loro ad avere l’ultima parola rispetto alle fotografie pubblicate nei loro ritratti e nei social media.

• Ammiro il coraggio delle donne intervistate in quanto parlano di temi difficili da condividere, specialmente con un pubblico di sconosciuti.

Cosa le spinge ad aprirsi?

SH: Un’ottima domanda e molto pertinente che ci viene rivolta spesso e a cui ogni volta rispondiamo spiegando che ogni donna ha le proprie ragioni per farlo. Alcune volte si tratta di prendere una posizione e mandare un messaggio, spesso e volentieri perché il gesto fa parte di un processo personale che rappresenta una sfida per poi aprirsi ad un altro capitolo della propria vita. Ma mi sono sempre chiesta cosa spinge davvero quelle donne ad aprirsi ad un livello così intimo e profondo e a parlare pubblicamente di stupro o cancro, per esempio. Qualche settimana fa, ho iniziato a leggere un libro intitolato A man’s search for meaning (L’uomo in cerca di senso) e il progetto ha assunto tutta un’altra prospettiva. Credo che queste donne abbiano bisogno di dare un senso alla propria sofferenza per poter rimarginare le ferite e andare avanti. Hanno bisogno di ripensare il passato al fine di riappropriarsi del proprio potere. E siamo fortunate e grate a queste donne per aver scelto la nostra piattaforma per esprimere se stesse e per guarire. Una citazione che ritengo sia in grado di descrivere cosa questo rappresenti per le partecipanti è la seguente: “Ad un uomo può essere portato via tutto tranne che una cosa: l’ultima delle libertà umane, quella di scegliere che atteggiamento mantenere in ogni circostanza, quella di scegliere il proprio metodo e approccio.”

• Avete mai condiviso le vostre esperienze personali come le donne intervistate?

SH: È ancora un processo in divenire ma sono solitamente piuttosto aperta per quanto riguarda le mie esperienze. Specialmente dopo aver dato vita ad un progetto del genere. Affrontiamo le nostre insicurezze ogni qual volta incontriamo nuove donne e siamo fortunate a compiere questo viaggio in due di modo che possiamo sempre discutere, elaborare, imparare e crescere dopo ogni incontro, parlarne assieme e confrontarci. Ho capito così tanto a proposito delle mie battaglie personali e incertezze semplicemente ascoltando e parlando con le donne che hanno preso parte al progetto.

CC: A volte condivido le mie esperienze personali sul mio profilo Instagram. Penso che possa aiutare altri a riconoscersi nelle mie insicurezze e storie. Ci si sente bene a sapere che non si è soli e che anche altri hanno provato la stessa cosa. Come ha spiegato Sara, il progetto mi aiuta molto a riflettere sulla mia vita e sul mio essere donna.

• I ritratti sono esclusivamente realizzati in pellicola. Rispetto al digitale, l’analogico richiede più tempo e un approccio diverso al soggetto.

Come mai avete optato per questa scelta?

Come reagiscono i soggetti delle vostre immagini quando mostrate loro le foto?

SH: Cassandra ha iniziato a fotografare in analogico qualche anno fa. L’ho incontrata ad una mostra collettiva che avevo organizzato con la rivista che avevo fondato (ayemag.com) e per la quale avevamo radunato una decina di fotografi che condividevano lo stesso amore e passione per la fotografia analogica. Avevamo quindi entrambe una predilezione per la pellicola. Ma scegliere la fotografia analogica era decisamente la scelta più sensata quando abbiamo deciso di sviluppare il progetto. Volevamo poter vivere il momento con le donne che stavamo incontrando e la pellicola offre un certo realismo e una presenza organica che è a volte difficile da ottenere con la fotografia digitale. Quel che deve succedere succede, noi possiamo solo accettarlo e accoglierlo.

CC: L’aspetto più interessante dell’abbinare l’analogico a questo progetto è che le partecipanti non hanno l’opportunità di vedere le immagini mentre vengono scattate. Non possono chiedere di guardare la foto sullo schermo o di vedere come appaiono durante la sessione fotografica. È un’altra dimensione dell’aprirsi e del rendersi vulnerabili che fa parte di questo progetto e dell’esperienza che queste donne hanno deciso di provare.

• Ogni giorno siamo travolti da immagini di donne che sono spesso stereotipate: perpetuano quei cliché che manipolano il modo in cui percepiamo e interpretiamo la femminilità.

Secondo voi, quante immagini ‘differenti’ dovremmo vedere per cambiare la nostra mentalità?

CC: Al giorno e nella società d’oggi, comprendiamo sin da piccole quale sia lo stereotipo della donna e in che modo dovremmo apparire e sentirci in quanto donne. La società sta facendo progressi notevoli per mostrare tipologie di donne diverse nei media ma siamo ancora lontani dall’obiettivo finale. Lontanissimi. Anche con tutti i passi in avanti che si stanno compiendo, personalmente non credo che sarò in grado di vedere tutta la diversità che vorrei vedere nei mass media convenzionali nell’arco della mia vita. Ma onestamente spero di sbagliarmi.

SH: Eh sì. Mi auguro – almeno per una volta – che tu ti stia sbagliando…

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Torna l’appuntamento con il nostro Diario Milano Fashion Week moda Autunno Inverno 2018 2019. Ogni giorno aggiorneremo la gallery con immagini di accessori, dettagli e total look visti alle presentazioni della #MFW.

Potrete scoprire in anticipo i materiali, i tagli e le forme che saranno di tendenza dalla prossima stagione. Non solo moda: abbiamo anche scattato qualche foto dedicata agli allestimenti più belli, curati nel minimo dettaglio, all’interno di negozi o show-room e di qualche appartamento privato milanese.

 

Guarda anche: Milano Fashion Week: il calendario

 

 

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